Transitions / Übergänge in Filmproduktionen

01: Einleitung

Bei den Übergängen (Transitions) zwischen Szenen in Filmproduktionen gibt es eine große Bandbreite an Möglichkeiten und Techniken, von dem grundlegenden Cut bis hin zu dynamischen Whip Pans. Jede Methode hat ihre eigene Wirkung und wird in bestimmten Kontexten eingesetzt. Ob es die Verstärkung der emotionalen Wirkung ist oder die Schaffung einer kreativen Verbindung zwischen zwei Handlungssträngen. In diesem Beitrag zeigen wir Dir die verschiedenen Übergänge einer Videoproduktion und geben Tipps, wie Du diese in Filmproduktionen richtig einsetzen kannst.

2: Cut Einer der grundlegendsten Übergänge zwischen zwei Szenen ist der Cut. Er ist der Eckpfeiler der Filmproduktion und wird in fast 100% der Videoproduktionen verwendet. Er schafft einen klaren und direkten Übergang zwischen zwei Szenen. Cuts können auch Spannung erzeugen, insbesondere wenn sie in einer schnellen Abfolge auftreten. Dies kann eine gewisse Dringlichkeit oder Dynamik vermitteln. Auch in ruhigeren Momenten findet der Cut seinen Platz. Ein einfacher Schnitt kann eine Pause und einen klaren Übergang zwischen verschiedenen Stimmungen schaffen. Der Cut wird in Filmproduktionen oft dafür genutzt viele Informationen (auch innerhalb einer Szene) darzustellen. Es können viele verschiedene Ansichten in kurzer Zeit gezeigt werden, ohne das Auge dabei zu überfordern.

3: Match Cut Der Match Cut ist grundsätzlich auch nur ein Schnitt, jedoch greift er visuelle, thematische oder auch auditive Elemente von zwei aufeinanderfolgenden Szenen auf. Wir sehen etwa eine junge Person in Szene 1, die blinzelt. In Szene 2 sehen wir den gleichen Bildausschnitt bei einer älteren Person, die ebenfalls blinzelt. Wenn der Cut nun auf dem Blinzeln geschieht, haben wir einen Match Cut. Die gleiche Bewegung zweier Szenen wird genutzt, um daraus einen Übergang zu schaffen. Eine grundsätzliche Annahme wäre hier, dass es sich um die gleiche Person handelt. Einmal als junge und einmal als ältere Person. Die Technik wird also oft verwendet, um Verbindungen zwischen zwei Szenen zu erzählen und bietet unendlich viele kreative Möglichkeiten in einer Film- und Videoproduktion.

3: Smash Cut Der Smash Cut ist ein Schnitt, der dramatische Kontraste schafft. Er bezeichnet den Schnitt zwischen zwei extrem unterschiedlichen Szenen, sowohl visuell als auch auditiv. Oft wird dieser Schnitt genutzt, um zwischen lauten und leisen Szenen zu wechseln. Ebenfalls können wir zwischen chaotischen, schnellen Szenen und ruhigen, langsamen Szenen wechseln. Der Smash Cut kann einen bestimmten Moment noch stärker betonen und untermauern. Oft wird diese Technik in Filmproduktionen eingesetzt, um das Publikum zu überraschen, zu erschrecken oder zu amüsieren. Ein solcher Smash Cut ist ein exzellentes Werkzeug, um zwischen zwei sehr unterschiedlichen Szenen einer Videoproduktion zu wechseln und durch einen solchen Überraschungseffekt das Publikum wieder zurück in den Film zu holen.

4: L- und J-Cut Der L- und J-Cut sind Techniken, die auf dem Zusammenspiel von Ton und Bild in Filmproduktionen beruhen. Den Namen haben sie aus dem visuellen Erscheinungsbild der Video- und Tonspuren in einer Bearbeitungssoftware. Die Videospur liegt grundsätzlich über der Tonspur. Der untere Haken des L’s und des J’s bezeichnet das Erscheinungsbild der Tonspur. Wenn die Tonspur noch weiter abgespielt wird, selbst wenn die Szene schon gewechselt wurde, handelt es sich um einen L-Cut. Wenn die Tonspur einer anderen Szene bereits anfängt, bevor sie überhaupt zu sehen ist, haben wir einen J-Cut. Ein L-Cut kann die Zuschauer:innen auditiv auf eine kommende Szene vorbereiten und bietet einen exzellenten Übergang zwischen zwei Szenen. Dies ist insbesondere der Fall, wenn das auditive von Szene 1 zum visuellen Kontext der zweiten Szene passt. Der J-Cut bezeichnet eine vorausgehende Tonspur von Szene 2, bevor wir das zugehörige Bild dieser Szene sehen können. Dies kann die Aufmerksamkeit des Publikums auf den Ton der nächsten Szene lenken, bevor das Bild die Änderung zeigt. Dies schafft Vorfreude und Spannung und spielt ebenfalls mit der Kreativität der Zuschauer:innen, da sich diese das kommende Bild bereits selbst ausmalen können. Diese zwei Techniken werden oft in Dialogszenen einer Filmproduktion verwendet, um nahtlose Übergänge zwischen Aktion und Reaktion in Dialogen zu schaffen. Ferner bieten sich durch L- und J-Cuts unzählige kreative Möglichkeiten innerhalb einer Videoproduktion, um einzigartige Verbindungen zwischen zwei Szenen herzustellen und die Narration interessant zu gestalten.

5: Fade Der Fade bezeichnet eine Technik, bei der die Deckkraft eines Bildes von null auf hundert Prozent zunimmt oder umgekehrt von hundert auf null Prozent abnimmt. Wir sprechen ebenfalls von einem Fade In und einem Fade Out / Fade to Black. Dieses allmähliche Ein- oder Ausblenden einer Szene ermöglicht einen sanften Übergang. Oft wird diese Technik in Filmproduktionen benutzt, um größere Zeitsprünge zu visualisieren oder den Abschluss oder Anfang einer Szene zu visualisieren. Der Fade kann also benutzt werden, um verschiedene zeitliche Abschnitte eines Films oder Videos für das Publikum zu verdeutlichen. Des Öfteren fangen Filme auch mit einem Fade In an, welches einen sanften Einstieg für die Zuschauer:innen ermöglicht. Ebenso bietet ein Fade Out am Ende eines Films einen klaren und offensichtlichen Abschluss.

6: Dissolve Der Dissolve stützt sich auf der Technik des Fades, jedoch findet hier eine Überlappung der Bilder statt. Während das eine Video eingeblendet wird, wird das andere ausgeblendet. Dies schafft einen fließenden Übergang zweier Szenen und wird auch Cross Dissolve genannt. Verwendet wird dies oft bei Rückblenden, emotionalen Übergängen oder auch um das Vergehen von Zeit zu visualisieren. Ebenfalls kann es nicht nur als Übergang genutzt werden, sondern auch als Technik um mehr als nur ein Bild gleichzeitig zu zeigen. Wenn wir zwei oder mehrere Videospuren bei einer Videoproduktion übereinanderlegen und die Deckkraft nicht auf 100% haben, können wir eine neue Bildkomposition erstellen. Bei dieser können wir zwei oder mehrere Bilder gleichzeitig sehen. Diese Technik wird oft verwendet, um Traumsequenzen zu visualisieren oder auch Zusammenhänge zwischen zwei Szenen darstellen zu können. Der Dissolve ist also ein kreatives Werkzeug, welches bei einer Filmproduktion genutzt werden kann und oft durch die Narrative und den Kontext motiviert wird.

7: Passing Der Passing-Effekt nutzt die Bewegung einer Szene, um in die nächste Szene überzugehen. Hierfür brauchen wir eine Bewegung, die sich nah vor der Kamera befindet und den Bildausschnitt füllt. Nachdem ein Objekt oder eine Person sich an der Kamera vorbeibewegt hat, wird zu der nächsten Szene geschnitten. Des Weiteren wird dieser Effekt oft durch den Einsatz von Masken verbessert, damit ein nahtloser Übergang möglich ist. Der Effekt ermöglicht, Szenen einer Filmproduktion auf kreative Weise miteinander zu verbinden. Verwendet wird dieser Effekt über viele Genres hinweg. Wichtig ist hierbei jedoch, dass dieser Effekt nicht grundlos eingesetzt wird. Er sollte eine visuelle Dynamik schaffen, die durch die Bewegung einer Szene, ohnehin des narrativen Kontexts einer Videoproduktion motiviert ist. Wenn dieser Effekt richtig eingesetzt wird, kann er einen fließenden Übergang zweier Szenen und eine nahtlose Erzählung ermöglichen.

8: Whip Pan Der Whip Pan bezeichnet einen horizontalen, schnellen und abrupten Kameraschwenk in einer Filmproduktion. Da diese Kamerabewegung viel Bewegungsunschärfe erzeugt, kann ein Schnitt in der Unschärfe „versteckt“ werden. Dadurch können zwei Szenen nahtlos aneinander geschnitten werden. Der Whip Pan fügt eine intensive Atmosphäre zu einer Szene hinzu und kann einen energetischen Übergang schaffen. Deswegen wird er oft in actiongeladenen Szenen und bei dramatischen Wendungen verwendet. Der Whip Pan erfordert eine hohe Präzision und ein gutes Timing des Kameramanns. Inzwischen gibt es jedoch auch Möglichkeiten einen Whip Pan in einer Bearbeitungssoftware hinzuzufügen, selbst wenn dieser bei der eigentlichen Videoproduktion nicht gefilmt wurde.

Fazit

Oft werden Übergänge nur als ein technischer Aspekt einer Filmproduktion angesehen. Doch wie wir jetzt wissen, gehen Übergänge weit über den technischen Aspekt hinaus und beinhalten einen kreativen Prozess. Dieser formt die emotionale Resonanz eines Films. Wir können geschickte Übergänge zwischen Szenen einsetzen, um eine einzigartige visuelle Erfahrung für das Publikum zu bieten und die Immersion zu verstärken. Wichtig ist, dass die Übergänge auch die Erzählung unterstützen und vorantreiben sollten. Eine bewusste Auswahl und Anwendung ist entscheidend, um eine gelungene Film- und Videoproduktion zu garantieren.